miércoles, 9 de enero de 2013

Alirio Díaz Leal


Alirio Díaz Leal
Octavo hijo de padres campesinos, nació el 12 de noviembre de 1923 en La Candelaria, caserío caroreño del Estado Lara. De niño demostró aptitudes musicales y una natural curiosidad por la cultura. Allí vivió hasta los dieciséis años, cuando empujado por los deseos de vivir y estudiar en Carora, abandona bruscamente el hogar paterno para continuar estudios de 4º, 5º y 6º grados en la célebre Escuela Federal Graduada "Egidio Montesinos". Es cuando conoce al carismático luchador social y vehemente intelectual y periodista Cecilio Zubillaga Perera, quien será el primero en descubrir la vocación fundamental de Alirio Díaz y quien hasta sus últimos años logró verlo como un artista realizado.
Luego de esos tres años de vida material insoportable el joven Díaz se dirige a la ciudad de Trujillo, en donde va a dar comienzo definitivo a los estudios académicos de la música, propiamente lecciones de Teoría, saxofón y clarinete, bajo la dirección del renombrado maestro, compositor y director de Banda Laudelino Mejías. Para éste y otras personalidades trujillanas, lleva cartas de recomendación de parte de Don Cecilio, cartas en las que el sabio caroreño decreta el porvenir artístico de Alirio. En ese entonces, para ganarse el pan el joven tiene que aprender nuevas profesiones: tipografía, mecanografía, inglés, corrector de pruebas periodísticas, guitarrista popular acompañante en Radio Trujillo y saxofonista en la Banda del Estado.
Siempre obedeciendo a los mandatos espirituales de Don Cecilio, con su guitarra, sus libros y sus profesiones, viaja a Caracas en septiembre de 1945, donde descubrirá las bases definitivas de su porvenir de músico.
Al ingresar a la Escuela Superior de Música "José Angel Lamas" tendrá como ductores a los maestros Pedro A. Ramos en Teoría y Solfeo, Juan Bautista Plaza de Historia y Estética de la Música, Raúl Borges de Guitarra, Vicente Emilio Sojo y Primo Moschini en Armonía. Como ejecutante de clarinete es acogido en las filas de la Banda Marcial que dirigía el maestro Pedro Elías Gutiérrez y el maestro Sojo lo incorpora en la fila de los tenores del mejor coro que ha tenido Venezuela, el memorable Orfeón Lamas . Pero su modus vivendi quedó resuelto cuando los músicos populares de la esquina de la Torre y de la magnífica orquesta de César Viera en la Radio Tropical lo llaman para trabajos profesionales, a lo cual se añadió un pequeño subsidio que, gracias al maestro Sojo, le fue otorgado por el Ministerio de Educación Nacional.
1950 es el año de gracia para Alirio Díaz; es cuando se da a conocer mediante repetidos y brillantes recitales tanto radiales como privados y públicos. Memorables sus primeras presentaciones en la sede de la "Lamas", en la Biblioteca Nacional de Caracas -el 12 de febrero de 1950- y poco después en los Ateneos de Valencia, Barquisimeto y Trujillo de los que obtuvo magníficas críticas de parte de Eduardo Lira Espejo, Eduardo Feo Calcaño y Sergio Baudo. Ya desde entonces interpretaba en la guitarra lo mejor de su repertorio, incluyendo las obras de los más notables maestros venezolanos como Borges, Sojo y Lauro. Mención especial merece igualmente su participación en el gran concierto que se celebró en mayo de 1950 en la Escuela Superior de Música dedicado a Juan Sebastián Bach. Se trataba de la conmemoración del bicentenario de la muerte del grande músico alemán en la que Alirio Díaz se distinguió con una memorable interpretación de la célebre Chacona de Bach.
En julio de ese año concluyen los estudios del joven músico venezolano, y es entonces cuando proyecta viajar a Europa para un consiguiente post-grado artístico. Serán dos personalidades a ocuparse del asunto, el pintor venezolano Clemente Pimentel y el crítico musical chileno Eduardo Lira Espejo, y poco después un nutrido grupo de figuras representativas de la cultura venezolana el Ministerio de Educación Nacional respondió aprobando la concesión de un subsidio para Alirio. Para noviembre ya se encuentra en Madrid, en donde ya en el Conservatorio de Música y Declamación es acogido por el célebre compositor y guitarrista Regino Sainz de la Maza. Mientras realiza sus estudios ocupa un precioso espacio de tiempo para efectuar recitales -siempre con éxito extraordinario- en los más importantes centros de cultura española: Ateneo de Madrid, Teatro Español, Palacio de la Música de Barcelona, la Alhambra de Granada, Teatro Principal de Valencia. Estrecha relaciones amistosas con intelectuales y músicos (Gerardo Piego, Joaquín Rodrigo, Moreno Torroba, García Nieto, Narciso Yépez, Emilio Pujol, Daniel Fortea, Eugenia Serrano, Federico Monpou, Xavier Montsalvage, Joaquín Achucarro.
A mediados de 1951 emprende viaje a Italia siempre con la inquietud del perfeccionamiento. Italia viene a ser el espacio ideal para la total proyección de su personalidad. Al enterarse de que la más eminente figura de la guitarra y una de las más ilustres de la música a lo largo del siglo XX era y seguía siéndolo Andrés Segovia, había emprendido una nueva actividad artística en Siena, como eran sus cursos de alto perfeccionamiento en las aulas de la célebre Academia  Musical Chigiana de aquella ciudad, el joven virtuoso venezolano decide participar en tales cursos. No titubeó el gran maestro desde apenas lo conoce y lo oye en aclamarlo como el mejor de los estudiantes que habían desfilado por la Academia, lo cual equivalía a considerarlo como la mejor promesa de la guitarra en el mundo. En efecto un par de años más tarde Alirio llega a ser no sólo el discípulo del maestro sino su asistente y sustituto en la propia Academia Chigiana.
Bajos tales auspicios artísticos se expanden sus actuaciones por toda la República Italiana, a la cual contribuyen de modo determinante sus amigos, mecenas y colegas del arte musical. Y no están ausentes sus más admirados autores venezolanos: Borges, Sojo y Plaza. Casualmente fue este último quien por primera vez lo presentó formalmente al gran público de Roma en un brillante recital  auspiciado por el embajador venezolano Alberto Arvelo Torrealba. Descubriendo en Italia una segunda patria desde allá viaja por todo el continente europeo siempre por motivos inherentes a la profesión artística. Son ininterrumpidas sus peregrinaciones por los cinco continentes por donde aparece actuando, como solista y con grupos sinfónicos bajo la dirección de renombrados directores como Celibidache, Stokowsky, Estévez, Kostelanez, Frubek, Iturbi, entre otros.
Durante estas actividades Alirio fue tomando conciencia del alto valor de las manifestaciones musicales populares, y siguiendo las huellas de Vicente Emilio Sojo, en sus viajes a Venezuela dedicaba gran parte de su tiempo a la recopilación de cantos de origen popular, muchos de los cuales, luego de cuidadosas armonizaciones guitarrísticas eran -y siguen siéndolo- interpretadas ante públicos de todo el mundo. De las mismas quedan ediciones y grabaciones discográficas, fruto de estas experiencias. Dignos de resaltarse son las investigaciones realizadas desde un punto de vida crítico, analítico y musicológico sobre el mismo argumento popular, gran parte de los cuales publicó en su libro Música en la vida y lucha del pueblo venezolano yen diversos periódicos y revistas venezolanas. Buena parte de estos trabajos están también reflejados en su obra autobiográfica Al divisar el humo de la aldea nativa.

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David Russell


Ganador de un GRAMMY en 2005 por su CD AIRE LATINO en la categoría de mejor solista instrumental en música clásica.
El guitarrista clásico David Russell es mundialmente reconocido por su magnífica maestría musical y su inspirada habilidad artística, habiendo ganado los más altos elogios de crítica y público. Como reconocimiento a su gran talento y a su carrera internacional, en 1997 fue nombrado Miembro de la "Royal Academy of Music" de Londres.
En Mayo de 2003 fue nombrado "hijo adoptivo" de Es Migjorn, el pueblo de Menorca donde pasó su infancia. Posteriormente, el pueblo dio su nombre a una calle, "Avinguda David Russell".
En Octubre de 2003 le fue otorgada la "medalla de honor" del Conservatorio de las Islas Baleares.
Después de ganar el premio grammy, en Nigrán, Galicia ,donde reside en la acualidad, se le impuso la medalla de plata del pueblo en una emocionante ceremonia.
Durante sus años de estudio en la "Royal Academy of Music" de Londres, ganó el premio Julian Bream dos años consecutivos. Ha ganado numerosos concursos internacionales, entre los que cabe destacar el concurso de guitarra de Alicante, el concurso José Ramírez de Santiago de Compostela, el Andrés Segovia de Palma de Mallorca, el Concurso de guitarra de Benicasim, así como el premio Francisco Tárrega.
David Russell pasa la mayor parte del año de gira por el mundo, apareciendo regularmente en prestigiosas salas de importantes ciudades, tales como Nueva York, Londres, Tokio, Los Angeles, Madrid, Toronto o Roma. El público de todo el mundo se maravilla de su genialidad musical y se siente inspirado por su cautivadora presencia en el escenario. Su amor por el instrumento resuena a través de su interpretación impoluta y aparentemente sin esfuerzo. La atención al detalle y su sugestivo fraseo lírico, sugieren un entendimiento innato de lo que cada compositor en particular intentó alcanzar, aportando a cada obra un sentido de aventura.
En Mayo de 2005 recibió un homenaje del conservatorio de música de Vigo, culminando en la apertura del nuevo auditorio, que ahora lleva el nombre de "Auditorio David Russell".
En 2009 fue nombrado "miembro honorífico" de "Amigos de la Guitarra" de Valencia, la sociedad de guitarra más antigua de España.
Desde 1995 David Russell tiene un contrato de grabación en exclusiva con Telarc International, con quien ha grabado dieciséis CDs hasta la fecha, entre los que se encuentra Aire Latino, que recibió un grammy en 2005.
El New York Times escribió sobre su actuación: "... El Sr. Russell hizo evidente su maestría, sin desviarse jamás de una interpretación que coloca los valores musicales por encima de la mera exhibición. Fue aparente para el público a lo largo del recital que el Sr. Russell posee un talento de extraordinaria dimensión.
Andrés Segovia escribió después de escucharlo en Londres: "Mis felicitaciones por tu musicalidad y tu técnica guitarrística".



David Russell Aire Latino

Russell es mundialmente reconocido por su magnífica maestría musical y su inspirada habilidad artística, habiendo ganado los más altos elogios de crítica y público. Como reconocimiento a su carrera internacional, en 1997 fue nombrado Miembro de la “Royal Academy of Music” de Londres. En el año 2005, Russell recibió un premio Grammy  por su CD Aire Latino, el mismo año en el que recibió un homenaje del conservatorio de música de Vigo que ahora lleva el nombre de “Auditorio David Russell”.

Leo Brouwer

 

Leo BrouwerNacido en: 1939Compositor, guitarrista y director musical, Leo Brouwer nació en La Habana, Cuba en 1939. Estudió con I Nicola, alumno de Pujol y especializándose en composición, completó sus estudios en la Juilliard School of Music y en Hartt College of Music.En 1987, Brouwer fue seleccionado, junto con Isaac Stern y Alan Danielou, miembro honorable de la UNESCO en reconocimiento a su carrera musical - un honor que comparte con Menuhin, Shankar, Karajan, Sutherland y otras luminarias musicales.Brouwer ha dirigido orquestas en todo el mundo, incluyendo la Orquesta Filarmónica de Berlín, la Scottish National Symphony Orchestra, la BBC Concert Orchestra y la Orquesta Sinfónica Nacional de México. Se le ha escuchado como compositor y guitarrista clásico en muchos eventos internacionales de música más importantes y su CANCION DE GESTA (poema épico), ha sido interpretada por orquestas en todo el mundo.Su discografía comprende más de un centenar de grabaciones comerciales y sus obras han sido grabadas por John Williams, Julian Bream, Franz Bruggen y Sparnay Harry, así como el Festival de Toronto, la Sinfonietta de Londres y el Festival de Liège.Brouwer también ha escrito muchas partituras cinematográficas, incluidas las UN PASEO POR LAS NUBES y Alfonso Arau internacionalmente aclamado Como agua para chocolate.Se ha desempeñado como Gerente General de la Orquesta Sinfónica Nacional de Cuba desde hace diez años y desde 1992 dirigió la Orquesta de Córdoba en España. En 1998, Brouwer fue galardonado con el premio Manuel de Falla y en 1999 el Premio Nacional de Música para Cuba. En los últimos años, Brouwer ha continuado su serie única de conciertos para guitarra (No.7 Concierto "La Habana", el Concierto N º 8 "Concierto Cantata de Perugia", y "Concierto de Benicassim"), así como la escritura de una rica variedad de otros conjuntos, especialmente su trío cuerno de 2002, las imágenes de otra exposición. Su último concierto para guitarra es su Doble Concierto (Libro de los Signos), estrenada por John Williams y Costas Cotsiolis el 27 de enero de 2004 en el Megaron de Atenas. Leo Brouwer ha vuelto a vivir en La Habana.



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lunes, 10 de diciembre de 2012

Ástor Pantaleón Piazzolla

Ástor Pantaleón Piazzolla (Mar del Plata, 11 de marzo de 1921 - Buenos Aires, 4 de julio de 1992) fue un bandoneonista y compositor argentino.
Fue uno de los músicos de tango más importantes del siglo XX. Estudió armonía y música clásica y contemporánea con la compositora y directora de orquesta francesa Nadia Boulanger (1887-1979). En su juventud tocó y realizó arreglos orquestales para el bandoneonista, compositor y director Aníbal Troilo. Cuando comenzó a hacer innovaciones en el tango en lo que respecta a ritmo, timbre y armonía, fue muy criticado por los tangueros de la «Guardia Vieja», ortodoxos en cuanto a ritmo, melodía y orquestación. En los años posteriores sería reivindicado por intelectuales y músicos de rock.
Cuando en los años cincuenta y sesenta los tangueros ortodoxos —que lo consideraban «el asesino del tango»— decretaron que sus composiciones no eran tango, Piazzolla respondió con una nueva definición: «Es música contemporánea de Buenos Aires». Sus obras no eran difundidas por las estaciones radiodifusoras y los comentaristas seguían atacando su arte. Los sellos discográficos no se atrevían a editarla. Lo consideraron un snob irrespetuoso que componía música híbrida, con exabruptos de armonía disonante.
Sí, es cierto, soy un enemigo del tango; pero del tango como ellos lo entienden. Ellos siguen creyendo en el compadrito, yo no. Creen en el farolito, yo no. Si todo ha cambiado, también debe cambiar la música de Buenos Aires. Somos muchos los que queremos cambiar el tango, pero estos señores que me atacan no lo entienden ni lo van a entender jamás. Yo voy a seguir adelante, a pesar de ellos.
Astor Piazzolla, revista Antena, Buenos Aires, 1954.
Entre los músicos contemporáneos a quienes admiraba profundamente se encuentran Alfredo Gobbi y, fundamentalmente, Osvaldo Pugliese. Este último con sus composiciones Negracha, Malandraca y La yumba se adelantó a lo que Piazzolla luego realizó como músico. Básicamente en la música de Piazzolla la marcación rítmica está basada en el tango Negracha (de Pugliese) compuesto en 1943 y grabado en 1948.
Siempre hubo entre Osvaldo Pugliese y Piazzolla una relación de respeto y admiración mutua. Pugliese hizo versiones de tangos de Piazzolla como: El cielo en las manos en 1951, Marrón y azul en 1956, Nonino entre 1961 y 1962, Verano porteño en 1965, Balada para un loco en 1970 y Zum en 1976. Piazzolla grabó de Pugliese: Recuerdo en 1966 y Negracha en 1956. Compartieron un recital juntos en el teatro Carré de Ámsterdam, Holanda, el 29 de junio de 1989. Cerraron el recital tocando juntos sus éxitos más populares: La yumba y Adiós Nonino. Ambos en una entrevista previa manifestaron su admiración y respeto mutuos y lamentaron el hecho que este recital no se realizase en Argentina. También, cabe decir que el tango que le dio pie de inicio a su estilo tanguero tan particular, fue la obra "A fuego lento", del compositor, pianista y director de orquesta Horacio Salgán.6

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Tangos   

 Historia del tango

Cuatro estaciones porteñas

 


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Primavera Porteña
Primavera porteña
Verano Porteño 
Verano porteño
Revirado -Vilolin y Guitarra
historia del tango cafe 1930 flutarra guitar
Adios Nonino
Adios Nonino (dueto guitar)
Adios Nonino (piano bandoneon violin guitarra electrica contrabajo)
guitar score tango etudes
Triunfal
Libertango 
La muerte del angel (Brouwer)
Historia del Tango


Máximo Diego Pujol

Máximo Diego Pujol nació en 1957, en el tranquilo barrio de Villa Pueyrredón, en Buenos Aires, Argentina.Todo comenzó el día que descubrió que en casa había una “guitarra en el ropero”. No podía ser de otra manera en un hogar en el que el tango flotaba en el ambiente casi permanentemente. Esa guitarra era lo único que quedaba de una vieja e íntima vocación de su padre por cantar tangos, actividad que había desarrollado profesionalmente en su juventud y con la que seguía deleitando a sus pacientes en su consultorio odontológico, y a su familia en la vida cotidiana. Este descubrimiento, junto al deseo de su padre de escuchar su guitarra nuevamente, hicieron que Máximo, de ocho años de edad, comenzara a tomar clases de guitarra con Don Gaspar Navarro, paciente, vecino y amigo de su padre, maestro de este instrumento de todos los pibes del barrio y ejecutante como pocos de tangos y milongas. Así es como a la edad de nueve años da su primer recital en la localidad de Villa Martelli. Pocos meses más tarde decide sorprender a su madre en el día de su cumpleaños, con una zamba especialmente escrita para ella. La complicidad de su papá y la profunda emoción de su mamá hicieron que la guitarra nunca más se separara de él.
Estas experiencias marcaron definitivamente la vocación musical de Máximo, quien simultáneamente siente el irrefrenable impulso de seguir plasmando sus vivencias en sus propias composiciones.
Comienza entonces a tomar clases con Alfredo Vicente Gascón, clases que refuerzan aún más su vocación, al punto de participar, junto a su maestro, de un grupo de estudio con Abel Carlevaro.
Al término de la escuela secundaria, Máximo se encuentra frente a la misma disyuntiva por la que había pasado su padre en su momento: la música o una carrera tradicional. Al principio fueron las dos, hasta que después de fatigosos años de convivir con las matemáticas y la guitarra, esta última emergió triunfante.
Paralelamente a esto decide ingresar al Conservatorio Provincial Juan José Castro y a tomar clases particulares de Armonía y Composición con Leónidas Arnedo, siendo éstas en horarios sacrificados, ya que no sólo estudia permanentemente, sino que trabaja todos los días para ganarse la vida.
Sin duda, acertada es su decisión, ya que una de sus primeras obras, “Sonatina”, escrita para el examen final del curso de Morfología en el Conservatorio, obtiene el 1° premio en prestigiosos Concursos en la Argentina, así como también, un jurado internacional integrado –entre otros- por Leo Brouwer, le otorga el 1° premio en el Carrefour Mondial de la Guitare de Martinica.
Tocando tangos y milongas, transita locales nocturnos de Buenos Aires como solista y acompañante. Integra diferentes dúos, tríos y cuartetos con la firme convicción de internarse cada vez más en el lenguaje tanguero, objetivo que se enriquece al compartir muchas de estas presentaciones en el mismo show con figuras del calibre de José Colángelo, Héctor Stamponi, Horacio Ferrer, Jorge Sobral, Rubén Juárez, Mariquena Monti, Néstor Marconi, Roberto Goyeneche... Simultáneamente, se aboca al estudio y análisis de la obra de los grandes compositores del tango tradicional como Juan Carlos Cobián, Osvaldo Pugliese, Julián Plaza, Horacio Salgán, y de la vanguardia tanguera como Astor Piazzolla.
Desde sus primeros pasos como profesional y, hasta el día de hoy, Pujol trabaja en la búsqueda de una fusión cada vez más integrada entre el lenguaje tanguero y el pensamiento formal académico. Esta es una búsqueda “pensada” en la guitarra, fruto del estudio consciente, casi obsesivo, de la obra de Heitor Villa Lobos y Leo Brouwer, que dieron una vuelta de página en la historia de la guitarra, al incluir en su música los recursos propios instrumentales como parte fundamental de su estilo, generando un inconfundible “lenguaje guitarrístico”.
En la actualidad las obras de Máximo D. Pujol son ejecutadas y grabadas por intérpretes de todo el mundo, y son objeto de estudio en masterclases y conferencias en los más prestigiosos Festivales Internacionales dedicados a su instrumento.




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jueves, 6 de diciembre de 2012

John Dowland

Johon Dowland  (1563)Laudista, cantante y compositor británico nacido en Dublín, Irlanda. Fue uno de los más grandes músicos de las épocas isabelina y jacobea y uno de los compositores de canciones más importantes de la música occidental. Desempeñó varios cargos relacionados con la música tanto en París como en Alemania, y entre 1598 y 1606 fue laudista del rey Cristián IV de Dinamarca. En 1612 obtuvo el puesto que siempre había deseado: laudista del rey Carlos I de Inglaterra, cargo que desempeñó hasta su muerte. Sus canciones para laúd contienen textos cargados de pasión y dramatismo, los acompañamientos están subordinados, aunque muestran cierta independencia melódica. Su First Book of Songs or Ayres (1597) fue el libro de música más editado de su tiempo. La melancolía que contiene la escala descendente al comienzo de su canción Flow my tears fue imitada por muchos de sus contemporáneos y se convirtió en un motivo musical muy conocido. La calidad de sus canciones influyó a la hora de convertir la canción artística en un género independiente, tal y como se entiende hoy día. Cayó en el olvido, pese a su talento y murió en Londres sumido en la pobreza.

jueves, 29 de noviembre de 2012

Johann Sebastian Bach

Johann Sebastian Bach nacio el 21 de marzo de 1685 en Eisenach y murio el 28 de julio de 1750 en Leipzig.
Era el hijo mas joven de Johann Ambrosius Bach, musico de la ciudad, de quien Johann Sebastian aprendió probablemente el violín y los rudimentos de la teoría musical.
Cuando tenia diez años quedo huerfano y fue a vivir con su hermano mayor, Johann Christoph, organista en la iglesia del St. Michael, Ohrdruf, que le dio lecciones tocando el teclado.
A partir del año1700 al 1702 estuvo en la escuela de St. Michael en Lüneburg, donde cantaba en el coro de la iglesia y entro en probablemente el contacto con el organist y el compositor Georg Böhm.
Él también visitó Hamburgo para oír J.A. Reincken en el organo de la iglesia del St. Catherine.
Despues de competir sin éxito para el puesto de organista en Sangerhausen en 1702, Bach consiguio el puesto de organista en el Neukirche en Arnstadt. En junio de 1707 se traslado a St. Blasius, Mühlhausen, y cuatro meses mas adelante se caso con su prima Maria Barbara Bach en Dornheim.
Designaron a Bach organista y musico de la corte del duque de Saxe-Weimar en 1708, y en los nueve años siguientes Bach fue organista principal y compuso muchos de sus trabajos mas finos para el instrumento.
Durante este tiempo el tuvo siete niños, incluyendo a Wilhelm Friedemann y Carl Philipp Emanuel. Cuando, en 1717, designaron a Bach Kapellmeister en Cöthen, se le ordeno dejar Weimar y como se nego fue puesto preso por el duque por casi un mes.
El nuevo patron de Bach, principe Leopold, era un musico talentoso que amaba y entendia el arte. Y Bach, podía dedicarse a la composicion musical. A partir de esta fecha creo sus conciertos de violin y los seis Conciertos de Brandenburgo, y numerosas obras para clave, incluyendo varios (e.g. las invenciones y el libro I de los “48”) .
En 1720 Barbara murio mientras Bach visitaba Karlsbad con el principe; y en diciembre del año siguiente Bach se caso con Ana Magdalena Wilcke.
Bach permanecio como en Leipzig el resto de su vida, y aunque a menudo estaba en conflicto con las autoridades, era un hombre feliz de su familia y padre orgulloso que cuidaba mucho de ellos.
Sus deberes se centraron en los domingos y los servicios de días de Fiesta en las iglesias principales de la ciudad , y durante sus años en Leipzig Bach compuso cantidades prodigiosas de musica de iglesia, incluyendo cuatro o cinco ciclos de cantata, el Magnificat y las pasiones del St. Juan y del St. Matthew.
Él era por este tiempo renombrado como organista virtuoso y con demanda constante como profesor y experto en la construccion y el diseño deórgano.
Su fama como compositor se separo gradualmente más extensamente cuando, a partir de 1726 hacia adelante, él comenzo poner ediciones publicadas de su música para teclado y organo.
Tuvo 13 niños nacidos de su matrimonio con Ana Magdalena
La vista de Bach comenzo a deteriorarse durante 1750 y el oculista ingles Juan Taylor lo opero dos veces. Las operaciones y el tratamiento que las siguieron pudieron haber acelerado la muerte de Bach. Él tomo el communion final el 22 de julio y murio seis días más adelante.
El 31 de julio lo enterraron en el cementerio del St. Juan. Su viuda, Ana Magdalena, sobrevivió a Bach, diez años, muriendo en la pobreza en 1760.
Bach abraza prácticamente cada genero musical de su tiempo a excepcion de los dramaticos de la opera y el oratorio (sus tres “los oratorios” que son oratorios solamente en un sentido especial). Bach abrio nuevas dimensiones en virtualmente cada departamento de trabajo creativo al cual dio vuelta, en formato, calidad musical y demandas tecnicas.
La densidad y complejidad de su musica son tales que los analistas y comentaristas han descubierto en el la significación religiosa y numerological que raramente se encontrara en la música de otros compositores.
Sus trabajos pronto fueron adoptados como modelos para las nuevas generaciones de musicos.
Junto con el gran Haendel, contemporaneo de Bach era el gran representante pasado de la era barroca, en una epoca que rechazaba ya el Barroco estetico a favor de uno nuevo, mas ligero.

Partituras
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